Kataklysm

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Kreator “Violence Unleashed” EP (2016)

 

Los maestros alemanes de Kreator ante su inminente salida de su nuevo álbum en éste ya 2017, levantaron una gran expectación con el lanzamiento de un MCD de nombre “Violence Unleashed” el cual trae una buena selección de temas emblemáticos de la banda en vivo, covers y una nueva canción.

Tracklist:
01 – Gods Of Violence
02 – The Number Of The Beast
03 – Wolfchild
04 – Iron Destiny
05 – Phobia (Live)
06 – Violent Revolution (Live)

La primera canción formará parte del nuevo disco y ha levantado polémica por la directriz que ha tomado la banda en lo que parece sonará su estilo en su álbum, con todo la pieza lleva el sonido de la banda alemana por donde lo veas y escuches.  Mucho más melódica y con tintes de Heavy Metal por encima del Thrash Metal que nos tienen acostumbrados.

Enseguida un estupendo cover a una banda mítica como lo es Iron Maiden, con un himno de esa banda “The Number Of The Beast” revistiéndola con el estilo del Thrash Metal sumada al sello Kreator con la voz de Mille Petrozza,  tremendamente brutal y adictiva con esos riffs de las guitarras que te mantendrán pegados a las bocinas haciendo ‘headbanging’.

“Wolfchild” es otra buena canción que viniera en el álbum “Civilization Collapse” con ese Thrash Metal que tanto nos gusta de la banda, entretenida revisión de ésta canción. Brutal le añadiría.

“Iron Destiny” una canción a medio tiempo entre el Thrash Metal y Heavy Metal, una pieza que viniera en la edición japonesa del ábum “Phantom Antichrist” de lo mejorcito que se puede escuchar entre las canciones que vienen en ediciones especiales y que algunos sólo conocíamos en links de You Tube pero no en la discografía de la banda que circula por estos lares.

Las dos últimas canciones rescatan la esencia en vivo de la banda ante audiencias que no dudan en meterse de lleno a la música de la banda, tanto “Phobia” como la otra versión en vivo “Violent Revolution” nos ofrecen una devastadora experiencia para quienes nunca han escuchado a la banda en vivo.

 

 

 

 

Psychedelic Witchcraft “The Vision” Soulseller Records (2016)

PSYCHEDELIC WITCHCRAFT han tenido un ascenso elevado e impresionante, ganando rápidamente un considerable seguimiento con su marca de Doom, Blues y Psychedelic música. Desde su formación hace poco más de un año, la banda ha lanzado un excelente EP, “Black Magic Man”, que fue lanzado a grandes críticas de fans y críticos por igual. Ahora, poco más de un año desde que lanzaron EPs, el equipo italiano está de vuelta con su disco debut, “The Vision”, que muestra el sonido de las bandas de expansión y crecer, resultando en un álbum debut  increíblemente impresionante que debe captar la atención de cualquier fan duro de Hard Rock y atmósferas psicodélicas. La banda compuesta por Virginia Monti – Voces, Riccardo Giuffrè – bajo, Jacopo Fallai – Guitarra y
Daniela Parella – Batería.

“A Creature”, esta grabación de la oferta de apertura, es una pieza realmente sólida de la música, con algunas voces excelentes y grandes ganchos de guitarras proporcionando un montón de grandes momentos que captar la atención de los oyentes de inmediato. Es una pista muy buena, que captura muchos de los aspectos más suaves y medidos de la música psicodélica en medio de alguna música rock asesina. “Witches Arise” es otra canción brillante, aunque más o menos directa, con un fuerte borde Bluesy y un potente tambor, con un impresionante solo de guitarra que realmente ilustra la versatilidad y talento de Jacopo Fallai como músico. “Demon Liar”, con sus riffs potentes y galopantes y voces elevadas, proporciona un estilo realmente borroso y enérgico al álbum que ayuda a levantar la barra musical significativamente, tanto en términos de musicalidad e intensidad. “Wicked Ways” sube la apuesta con respecto a la distorsión y los floreos psicodélicos, y nos tratan con brillantemente nebulosa y atmosférica pieza de música que lleva a la primera mitad del álbum a su fin en un mar de distorsión y el canto atmosférico.

“The Night”, es, en comparación con el resto del disco hasta este punto, un asunto ligeramente más sombrío y sombrío, con un enfoque musical más a medio camino y voces adecuadamente impresionantes. “The Only One That” lleva la música en una dirección muy diferente al resto del álbum, tomando un enfoque mucho más ligero, suave y casi como una balada de la música. El tono es mucho menos distorsionado, la música en todos los frentes es mucho más medida y las voces se dan mucho más para venir a la vanguardia y llevar la canción. “War” devuelve la música a los riffs de Hard Rock que han caracterizado la mayor parte de este disco, con riffs confiados, inspirados en blues y tambores de tambores, creando un excelente telón de fondo para los siempre dulces e infecciosos patrones vocales. La penúltima canción de los álbumes, “Different”, es una gran canción con algunos ganchos de guitarra genuinamente pegadizos y el tipo de poderosas y melancólicas interpretaciones vocales que los oyentes han llegado a esperar en este punto del disco. La novena y última canción de este disco, “Magic Hour Blues”, que también sirve como el single de los discos, es un asunto mucho más medido, y tiene una sensación fuerte y climática que lo convierte en un excelente esfuerzo de cierre. Reúne todas las mejores cosas de este disco, desde las voces increíbles hasta el psicodélico, los ganchos de guitarra inflecta Blues, lo que significa que este álbum termina en una nota muy sólida alta, dejando al oyente querer escuchar más.

Este es un disco debut muy fuerte que muestra un montón de promesas. Hay puntos donde hay una sensación de que la banda podría haber sido más aventurero con la instrumentación, e inyectado su música con algunos riffs más, pero por suerte los intérpretes vocales en todas las pistas de este disco es tan bueno que este punto es casi obsoleto . Se trata de treinta y cinco minutos de gran Rock psicodélico que hace un gran trabajo de mostrar las bandas de muchas fortalezas, sentando las bases para lo que esperamos sea un viaje impresionante e interesante por el camino de la roca oculta.

 

 

 

 

Gorilla Pulp “Peyote Queen” 2016

¡Ah, excelente! La primera canción “Die of Thirst” empezó a salir de mis auriculares, llevándome en un viaje. ¿Dónde está mi diádema elegante y chaqueta bordada, de color henna sin mangas antes de continuar? Este disco te lleva hacía atrás, camino atrás en el tiempo a los lugares de aquellos años ’70s, tiempos psicodélicos Hard Rock nació del blues y cosas como el Stoner Rock y El Heavy Metal también hacían su aparición.

Gorilla Pulp realmente adopta este estilo pre-metal en “Peyote Queen”, patrocinado por Retro Vox Records. Un estilo de moda en la década de los 70 hasta principios de los años 80 y entregado con un entusiasmo que es francamente refrescante. Al escucharlos me recuerdan constantemente a Black Sabbath y su primera contribución al mundo de la música. Otros nombres vienen a la mente también: Jimi Hendrix, Lynyrd Skynyrd, Pink Floyd, Steppenwolf, algunos Led Zeppelin desde atrás. En otras palabras: La banda se sirvió algo desvergonzadamente de una serie de influencias y antecedentes – como ampliamente declarado en su biografía también. Y esto es realmente una buena cosa, si se hace ingeniosamente.

Ellos sin embargo entregar su melodía sin la henna – estamos salvados por el gong – y con un toque. Porque Peyote Queen es ruidosa, muy ruidosa, sucia y pesada, trabajando hacia su línea de batalla para ser jugada – y cito: “… como un proyecto en vivo ‘n’ ruidoso ..”. Un poco como lo que Bear Bone Company hizo por su propia marca de esta era. Sólo que éste no me obliga a ir a la playa, sino a volver a visitar Woodstock. ¡Por Loki! Igual que con Vinyl Hero y su álbum de 2016 Seven Days on a Train, juegan la tarjeta retro con mucho éxito. Tipo de estilo de hueso desnudo, sometido de épocas pasadas.

Gorilla Pulp vio la luz del día en 2014 en Viterbo, Italia (al norte de Roma) con una banda de músicos subterráneos ya experimentados. Y me atrevería con un comienzo algo colorido. Simplemente echa un vistazo a su primer single Mean Devil Blues un pedazo #metal cargado, hablando de la corrupción de los sacerdotes – el empleo de estrellas porno reales en vivo. Una variada pista de Heavy Metal con algunos trémolos intermedios en medio de ella. Con un típico humor italiano, la banda reúne todo el video en jabón y lo entrega con su inmejorable acento italiano. Y esto es lo que impregna a la reina Peyote también, que es – a su vez – adornado en la típica moda Stoner Rock o – en la banda de la banda – Tufo Rock (un tipo típico de rock de la zona alrededor de Roma).

El nombre del álbum va con el tema. Llamado después de una mescalina que contiene cacto – peyote. Mucho en uso por los lugareños de México y Texas y más allá de los últimos 5 milenios o así – para mejorar el espíritu así que dicen. Y felizmente utilizado por nuestros apedreados, los antepasados vivos en los años 70 quienes fueron poblando de manera multitudinaria los largos festivales durante el verano, contando vacas rosadas o peor.

Todo el álbum te da esta clara impresión de que una banda toca en el escenario, saliendo de este proverbial garaje. Realmente ásperas, crujientes, hasta guitarras, tambores y mucha voz. Realmente me gusta el oomph de Caveman, seguido de Magic Mushroom actuando como un precursor de la pieza central, el título del álbum Peyote Queen.

La banda lanzó un vídeo para la pista del título, nuevamente ofreciendo al tipo sacerdotal entrando en más problemas que en el vídeo anterior. Siempre tengo que reír, viendo la campiña italiana usada como Texas con un montón de insinuaciones subyacentes, muy italianas, con el fin de simular que nos encontramos en las visiones que la gente asegura ver en los estados psicodélicos.

Fiel a su estilo, el álbum cuenta con un montón de riffing bastante bueno y solos. Sólo dar su tiempo un poco de tiempo en sus auriculares y se revelará sus gemas. Por ejemplo Camino al Templo características estelar solo en línea recta en medio de psicodélicos, humo cargado de trozos de roca. Ahora, ¿qué más hay en este disco? Bueno, está creciendo un poco rancio hacia el final, pero déjenme mencionar la última pista Electric Woman por su groove, no es la mejor pista, pero sigue siendo buena.

No es fácil encontrar fallas con Peyote Queen. El álbum es – como se dijo antes – muy fuerte, pero la mezcla y remasterización están bastante bien hechas. Gorilla Pulp navega a lo largo de su recorrido como los barcos, recta y verdadera sobre este océano henna-coloreado sin la vela que temblaba en este viento constante- influenciado de los suyos. El género que utilizan es, por supuesto, nada nuevo, pero la forma en que cruje a lo largo de pone una sonrisa en mi cara. Bien hecho.

Y ahora tengo hambre de un Tex-Mex decente. ¿Dónde está el próximo restaurante Chipotle, maldita sea? ¿Tienen eso aquí? ¿O tengo que ir al norte de México frontera con Texas?

 

 

Los mejores discos de Rock del 2016.

ROCK, los mejores discos del 2016. 

En este año de grandes pérdidas para el mundo del rock hubo material excepcional y que seguramente será recordado de manera nostálgica en muchos años de aquí en adelante pero además de la consolidación de jóvenes artistas que nos entregaron creatividad musical en todos los sentidos y que permitieron ser incluidos en entre lo mejor de los discos de rock en éste 2016 que ya empieza a fenecer.

1.- David Bowie “Blackstar”

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El punto final para una brillante carrera, un legado de una leyenda para todos los que se precien de escuchar buena música, en éste su vigésimo quinto álbum el fallecido artista fue adentrándose en terrenos avant-jazz, sonidos cinemáticos y oscuras cadencias ambientales, el disco reconcilia a Bowie con su faceta más experimental, esa que sólo una mente de la talla de él pudo ser capaz de concebir en 7 cortes que poseen una riqueza en las melodías, en los sonidos de las guitarras así como en las letras clásicas del artista que para eso era un genio absoluto, el recurso del saxofón en éste trabajo enriquece más las experiencias sonoras de cada pieza, más quedas embelesado con los detalles ofrecidos entre corte y corte mientras la eterna voz del “camaleón del rock and roll” te va seduciendo hasta que ya estés completamente enganchado a su ‘estrella negra’. Un discazo sin dudarlo.
2.- Angel Olsen “My Woman”.

Una vez más los tópicos del amor y desamor han sido materia propicia para crear un gran disco, en el tercer material de ésta cantautora nos encontramos un sonido fresco y maduro sin fisuras, con ese estilo que combina ella entre el folk, el country, ritmos de jazz, bossanova y el indie rock por supuesto, de principio a fin serás conquistado y poseído primero por las notas de los instrumentos para luego ser absorbido por esa voz hipnótica de la artista. Tremendo timbre vocal es lo que lleva el mando en éste disco reforzada en las melodías, en los solos, en las voces, en el crescendo que cada canción lleva como marca propia de varias de las mejores canciones de éste año. Seguramente muchos y muchas se sentirán identificados con las letras y composiciones de la norteamericana, quien como artista ha dado un salto enorme con éste material para la historia.
3.- Neil Young “Peace Trail”

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Es el trigésimo octavo álbum del músico producido junto a su habitual colaborador John Hanlon, fue compuesto y grabado poco después del lanzamiento de “Earth”, su anterior trabajo discográfico en éste mismo año. Su publicación fue precedida por el estreno del tema “Indian Givers” en septiembre, en éste disco volvemos a encontrar el estilo de Young a través del folk y rock a su estilo ese que cuando lo comienzas a escuchar sabes que es Neil, pues bien aquí nos entrega un puñado de 10 canciones de buenas melodías y sobre todo excelentes letras en cada canción. No ha perdido su toque el veterano artista y eso que sólo le tomo 4 días grabar éste trabajo que ya ésta dando de qué hablar apenas publicado a inicios de diciembre. Para ser grande hay que ser determinado para hacer las cosas que te gustan no importa ciertos sacrificios y eso lo aplica Young con resultados excelentes.
4.- Nick Cave & The Bad Seeds “Skeleton Tree”.

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“hay circunstancias que te pueden cambiar radicalmente, incluso cuando crees que ya nunca lo vas a hacer” Con ese punto de partida Nick cave se influenció de manera melancólica a raíz de una tragedia personal ocurrida hace un año. El resultado una obra maestra que grabo solamente con el piano en la intimidad del estudio de grabación. Ante todo un disco difícil de escuchar de principio a fin no cualquiera ve infinidad de detalles lo que aparenta ser monótono con el uso de un solo instrumento pero aquí las melodías llevan el mando de principio a fin, las letras de Cave son implacables a la hora de demostrar dolor, apenas se encuentran riffs, estribillos o versos pegadizos. Ciertos toques de rock, folk y ambient en un ambiente depresivo que ya cualquier banda especializada en esos subgéneros le gustaría grabar. No siempre quien grita más fuerte.
5.- Leonard Cohen “You Want It Darker”.


Se ha ido Leonard Cohen pero no se ha ido la oscuridad, el último trabajo de éste legendario artista fallecido en noviembre es un homenaje al fin de las relaciones personales desde su punto de vista, las composiciones estuvieron a cargo del propio Cohen, su hijo y del productor Pat Leonard un excelente sonido con la sensualidad en las bases, las delicadas guitarras acústicas y los delirantes juegos de cuerdas, se cumplió la predicción de muchos de que sería el último disco de llamado poeta por ser oscuro, melancólico y más; Cohen siempre ha poseído un gran interés en la empatía por las dimensiones más irreverentes, más pecaminosas y oscuras de la vida. Así es y así fue el gran artista fallecido a los 82 años. Me imagino que será el ‘soundtrack’ de muchas personas que todavía no lo saben.
6.- PJ Harvey “The Hope Six Demolition Project”.


La “jefa” Polly Jean cada vez que saca nuevo disco “da en el clavo” siempre, es decir, tenemos un disco que viene influenciado por los acontecimientos de años recientes a nivel mundial en diversos tópicos nada más que musicalizado como un ‘soundtrack’ del acontecer diario en el mundo, es a partir de ello que le permite componer lo que siente de esas situaciones, se habla de que el punto de partida es el viaje realizado en los últimos años a Afganistán, Kosovo y Estados Unidos junto al fotógrafo Seamus Murphy, historias van, historias vienen; pero la manera de componer con esos aires de rock clásico y pop de buena manufactura. Disfrutarás de principio a fin cada una de las canciones que fácilmente te acompañarán durante un viaje largo y seguro lo volverás a repetir.
7.- Kevin Morby “Singing Saw”.

Uno de los hijos putativos del señor Bob Dylan, éste cantautor bebé influencias del folk clásico pero con sonido moderno influenciado por el indie rock, en ocasiones se escucha su admiración en las composiciones por ese toque personal sin llegar a ser un imitador de nadie, su timbre vocal y notas son su carta de presentación y su arma más poderosa. Éste su tercer material seguro se convertirá en un clásico contemporáneo y él pasará la prueba de ser uno de los mejores artistas de su generación, las melodías que desprende éste álbum seguramente las disfrutarás de principio a fin con esos 45 minutos que se te irán como agua, además de que cada detalle del álbum te sorprenderá aún más saber que es un álbum que le gustará a cualquiera que no le haya escuchado antes. Tenemos Kevin Morby por un rato.
8.- The Rolling Stones “Blue & Lonesome”.


Todas unas leyendas vivientes que no piensan aún en el retiro, cuando muchos músicos de su generación ya están retirados o con apariciones esporádicas, ellos se mantienen firmes como auténticos “chicos malos” del rock and roll, un brillante trabajo cuya principal virtud es mantener esa esencia del blues rock que tanto nos gusta propiedad y marca patente de la banda, las guitarras nos envuelven con esos sonidos que Richars y Wood saben cómo crear sumado a ello la voz de Jagger que aún se mantiene sana con ese timbre característico. Se basaron en canciones creadas hace 50 años en Chicago en la escena del blues de ese lugar pero grabadas de una manera fresca y actual del sello de los Stones, han rescatado esas piezas a manera de homenaje a las canciones que nos han dejado con un buen sabor de boca a todos los fans del rock.
9.- Emma Ruth Rundle “Marked For death”.


Nos llega más oscuridad adornada de bellas melodías y melancólicas atmósferas de éstas baladas que nos adentran a diversos pasajes de la mente cuando uno se pone frente a las bocinas y suenan las notas de este disco, son historias de amor, de esperanza y de mortalidad pero no de una manera positiva sino que las letras tienen una narrativa trágica que a mi parecer suena excelente con esa hipnótica voz de Emma, aquí se mezcla el rock, el darkwave, el ambient, el folk, todo ello desde el punto personal de una mujer que entiende a la vida con ese aura de agonía que las actividades cotidianas nos absorben y asfixian a todos por igual, gran trabajo de composición de autoría propia y sobretodo de la música que tiene la función de atraparnos.
10.- Radiohead “A Moon Shaped Pool”.


En éste álbum también se nota el toque humano en la asombrosa producción creada a través de las mentes maestras de Tom Yorke y Jonny Greenwood. Sin importar cómo lo ensamblaron junto al resto de la banda, el sonido es acústico y análogo en su mayor parte: un poco difuso, un poco ruidoso, pero nunca es frío. La banda sabe cómo transmitir el “feeling” de las guitarras y los teclados, las atmósferas nos muestran que ellos han buscado dejar un nuevo HIT en su carrera musical, aquí toman la temática de pedir la protección de los recursos naturales del planeta y evitar la contaminación; esa fuente de inspiración ha sido adornada por ese mensaje oscuro que nos envuelve desde la primera nota de éste emblemático disco de buen rock.

Opeth “Sorceress” Nuclear Blast (2016)

En el momento en que Opeth estaba grabando su segundo álbum Morningrise, formaron Steel, un tributo al metal de velocidad de los años 80 con el que crecieron. Solamente lanzaron un EP, Heavy Metal Machine, y su descarado y nostálgico aire evidente (¡eso ya era antiguo en 1996!) No oscureció el hecho de que Mikael Åkerfeldt es una trituradora legítima. Dan Swanö, el productor de Opeth en el momento y ex cerebro de Edge of Sanity, sonaba encantador, como Brian Johnson intentando su mano en AOR. Steel se sentía como los tipos sólo patear, que es algo que nunca diría acerca de Opeth. Åkerfeldt se ha alejado del metal y ha abrazado totalmente el rock progresivo con los álbumes más recientes de Opeth, pero su 12ª larga duración, Sorceress trae a la mente la actitud despreocupada de Steel tanto como Génesis y King Crimson. Nunca han sonado más cómodo con su plena-en la transición prog, que funciona a favor y en contra de ellos

Heritage señaló su cambio en el rock progresivo hace cinco años, y Pale Comunión 2014 solidificó aún más la transición, pero Opeth todavía se considera en gran medida como una banda de metal progresivo. Los gruñidos de Åkerfeldt no aparecen aquí, y aunque han transcurrido cinco años, todavía se necesita acostumbrarse. Es uno de los desafíos de considerar Opeth de hoy en día: por todos sus méritos, la primera vez que escuchamos “Demon of the Fall” (una de las pocas canciones de los años 90 que siguen tocando en vivo) es difícil de bloquear. Los momentos más fuertes de la hechicera son cuando el metal se arrastra hacia atrás en algo tan ligeramente. Incluso con el Death Metal ido, no pueden guardar sus discos Deep Purple. La canción de título comienza con un boogie de piano eléctrico que da paso a un ritmo chugging. ¿Resoplar? ¿En un disco de Opeth? Al restringir el crujido para dar espacio a la voz de Åkerfeldt, en realidad funciona. “Sorceress” actúa como un guiño a las bandas de metal progresivo estadounidense que tomó de los momentos de Opeth más metal.

En el órgano de duelo y las guitarras de “Chrysalis”, podría ser engañado pensando que están retrocediendo hacia el metal por un minuto. “Era” recuerda los primeros días de rock duro de Rush, con el croon de Åkerfeldt más calmante que el gemido de Geddy Lee. Mientras que él no es Neal Peart, el negocio de Martin Axenrot da a esa canción una vida de metal sin ser explícitamente tal. Infierno, la introducción acústica “Persephone” no estaría demasiado fuera de lugar en un registro de At the Gates. Opeth no necesita atender a aquellos que sintonizaron después de Heritage; Todavía, esos vislumbres de la familiaridad representan la mayor parte de los puntos culminantes verdaderos del expediente.

Los contrastes de Opeth entre el death metal y los refrains limpios eran un sello distintivo de su sonido, pero francamente, algunas de sus transiciones del metal de la muerte a los refrains limpios eran torpes, por decir lo menos. Su nueva dirección ha resuelto en gran medida esa cuestión en términos de dinámica entre canciones, pero, al igual que con el Patrimonio y la Comunión, que todavía luchan con el mantenimiento del impulso. Justo después de que “Chrysalis”, “Sorceress 2” y “The Seventh Sojourn” desaten el récord. La indulgencia no es el delito; Sorceress demuestra que Åkerfeldt ha abrazado el control, y no hay nada como el 20 minutos “Black Rose Immortal” de Morningrise de nuevo. Pero “Sorceress 2” es un interludio acústico inútil que en realidad no sirve como una continuación de “Sorceress”. Está a la deriva, mientras que “Sorceress” está asegurada y estable. “Sojourn” es el delincuente más grande, con su vaga percusión del Medio Oriente y guitarras acústicas. Si Opeth tomaba partes de “Sojourn” aparte, podían hacer algunas canciones realmente fuertes fuera de ellos -la batería iría bien con el crujido de la pista del título, y las cuerdas podrían no ser tan malas si hubiera alguna otra fuerza activa compitiendo En contra.

Aún más vergonzoso es que son seguidos por “Strange Brew”, el argumento más convincente para Opeth abandonar el metal. “Sojourn” torpemente intentó ir psicodélico; “Strange Brew” lo hace sin esfuerzo. Hay bastante flash de la guitarra y bombast característico de bandas prog modernas, sin embargo, Åkerfeldt sabe cómo detenerse, cortando con su voz sombría, justo cuando él y Fredrik Åkesson comienzan a ser hiperactivos. El piano suave que lo conduce sincroniza mejor con el final de “Chrysalis”, así que está claro que esas dos pistas trabajan juntas una al lado de la otra, es como si se olvidaran de eliminar todos los bocetos entre ellos. Opeth ha mejorado en la auto-edición con Sorceress; Aún, sus tendencias jammier fallan en el medio lackadaisical del álbum, demostrando que pueden apenas ser un poco demasiado frescos. Dando a Steel otra oportunidad sólo podría inspirar a encontrar el equilibrio adecuado de la holgura y el rigor.

 

He aquí dos ejemplos de los mencionado líneas arriba, estos tracks parecen sacados de la época de los años ’70s, sin duda que los suecos han dado un paso hacía el rock progresivo.

Obscura “Akróasis” Relapse Records (2016)

obscura
Los alemanes Obscura sorprendieron desde su primer disco en el cual nos ofrecieron ocho piezas memorables demostrando técnica y estilo a la hora de componer, regresaron en este 2016 con todas sus armas musicales ya conocidas pero demostrando más experiencia en el momento de componer, los adelantos de su nuevo disco funcionaron muy bien ya que la pieza que lleva el nombre del álbum tuvo en videoclip de adelanto y dejó a todos con la boca abierta ante la sorprendente composición llena de destreza y técnica pulida en los riffs así como en los cambios de ritmo. Por fin vio la luz el disco titulado “Akroasis” el 5 de febrero en diversos formatos como CD y un doble vinilo de lujo para los fanáticos del mundo, así como en digital a través de una pre-venta de descarga.

El track list fue el siguiente:

1. “Sermon of the Seven Suns” Steffen Kummerer 7:12
2. “The Monist” Linus Klausenitzer 4:56
3. “Akróasis” Steffen Kummerer 4:24
4. “Ten Sepiroth” Linus Klausenitzer 5:08
5. “Ode to the Sun” Steffen Kummerer 5:04
6. “Fractal Dimension” Steffen Kummerer 6:14
7. “Perpetual Infinity” Linus Klausenitzer 5:52
8. “Weltseele” Tom Geldschläger & Linus Klausenitzer 15:15
9. “The Origin of Primal Expression” (bonus track) Steffen Kummerer

Contiene 9 canciones en una duración de poco más de 57 minutos los cuales se te hacen cortos ante la cantidad de detalles que esconde el álbum en cada una de las piezas que sin duda no te dejarán una vez que haya concluido el disco. Todas las canciones son muy adictivas desde el principio, la banda ha dejado en claro que éste álbum es una de sus obras maestras sin dudarlo, al igual que te garantizo será uno de tus discos preferidos sin duda alguna. La banda nos sorprende con la incorporación de nuevos sonidos, pasajes instrumentales diferentes a lo que hemos escuchado de ellos, voces muy bien trabajadas al igual que los coros, la batería que nos ofrece una variedad de compases en todo momento.

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Las voces como siempre juegan un papel preponderante ya que Steffen alcanza notas en voces guturales y limpias que no le habíamos escuchado en los anteriores discos, demostrando que estos años sirvieron para trabajar de manera correcta con la voz como todo un profesional. Las guitarras brillan por sí solas ante la técnica que despliegan los músicos seguramente te sorprenderás ante la cantidad de detalles que le han puesto a los riffs, delays y solos en cada una de las canciones aunque las canciones no son de una duración extensa como nos tienen acostumbrados otras bandas que incluyen sonidos progresivos se nos hacen cortas ante la excelsa mezcla de la producción que nos ofrece una de las mejores publicaciones en éste 2016. Obscura han puesto un alto precedente en cuanto al metal extremo se refiere. En lo personal el mejor disco del año a cargo de la compañía Relapse Records.

Obscura son:
Steffen Kummerer – guitarras, vocales
Tom Geldschläger – guitarras
Linus Klausenitzer – bajo
Sebastian Lanser – batería

El link de algunos vídeos oficiales.

 

 

Origen del nombre de bandas de Rock y Metal.

Bienvenidos sean a éste post.

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anthrax

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burzum

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Aquí tenemos algunos orígenes del nombre de algunas bandas de rock y metal.  En total son 72 por el momento, que las disfruten.

01.- 1349: Sacaron el nombre del año en que se propago la plaga o epidemia negra en Noruega durante ese tiempo.

02.- AC/DC: Un miembro de la banda vio escrito AC/DC en una máquina de coser y pensó que tenia algo que ver con la potencia. Estaba en lo cierto, significa ‘ Corriente Alterna/Corriente Continua’. La banda no se dio cuenta en ese momento de que también significaba bisexual hablando en jerga.

03.- Aerosmith: Por lo visto era una palabra que Joey Kramer escribía por todas las hojas de su libreta en el instituto. Algunos piensan que que se inspiraron en el libro de Sinclair Lewis escrito en 1925 ‘Arrowsmith’.

04.- Alice Cooper: Según el cantante, la banda adoptó ese nombre luego de que en una sesion de ouija, tomaron contacto con una bruja llamada así del siglo XVII.

05.- Alice in Chains: Un gracioso rumor dice que se llamaron así después de perder un episodio de la serie ‘The Brady Bunch’, Alice era una protagonista de la serie. Otros dicen que es una versión sadomasoquista de “Alicia en el país de las maravillas”.

06.- Anthrax: Inspirado en una bacteria peligrosa que se usaba para infectar ganado en Europa y puede ser usado para el terrorismo. Se supone es el nombre de un microorganismo desarrollado para la guerra bacteriológica. Su nombre se hizo mundialmente conocido después de los atentados del 11-S Norteamericano, por lo cual la banda incluso consideró cambiarse de nombre.

07.- Arcturus: Es el nombre de la estrella mas grande de la constelación Boyero y es una de las 15 estrellas consideradas mágicas

08.- GWAR: Jerry Springer explica que el nombre esta inspirado en los monstruos de peliculas de serie B.

09.- Beastie Boys: En inglés “Boys Entering Anarchistic States Toward Internal Excellence” (chicos entrando entrando en estados anárquicos hacia la excelencia interna).

10.- The Beatles: El nombre se dio debido a un sueño que John Lennon tuvo en su infancia sobre un escarabajo por lo que era “Beetles” luego se cambio “Bee” por “Beat” que hace referencia a los tiempos musicales.

11.- Black Sabbath: Es por una película de terror de 1963 donde actuaba Boris Karloff

12.- Blind Melon: Literalmente, “melón ciego”. Así llamaba el padre del cantante Shannon Hoon a sus estúpidos vecinos, los cuales no estaban interesados en nada que sucediese más allá de su casa.

13.- Blink 182: por las 182 veces que Al Pacino dice la palabra Fuck en la película Scarface.

14.- Bob Dylan: Robert Zimmerman cambió su apellido al de Dylan en honor de Dylan Thomas quien era un poeta, escritor de cuentos y dramaturgo galés.

15.- Bono: Paul Hewson de U2, se inspiró en una tienda de audífonos para sordos llamada ‘Bono Vox’

16.- Deep Purple: Cuando se formó la banda en 1968, sus componentes la bautizaron como Concrete God. Poco después, Ritchie Blackmore uno de los fundadores y guitarrista del grupo, decidió cambiarlo por Deep Purple, el título de la canción favorita de su abuela. Un tema romanticón compuesto por Nino Tempo y April Stevens, que alcanzó lo más alto de las listas en 1963.

17.- Def Leppard: El vocalista Joe Elliot quería usar una idea parecida a lo que dio el nombre de Led Zeppelin solo que este uso el concepto de ‘Deaf Leopard’ (Leopardo Sordo)

18.- Dimmu Borgir: La palabra significa castillo oscuro o fortaleza oscura, tambien hace referencia a una serie de cuevas formadas por lava negra en Islandia que según los nativos son la entrada al infierno

19.- Dire Straits: (Situación Desesperada) Describe la situación económica de la banda en sus inicios.

20.- Duran Duran: Viene del científico loco en la película Barbarella, de 1968 con Jane Fonda

21.- Faith No More: Era el nombre de un caballo que ellos vieron en el listado de una carrera de caballos

22.- Gorgoroth: Para variar sacaron el nombre del Señor de los Anillos del autor J.R.R. Tolkien

23.- Green Day: Una versión asegura, que el día en que decidieron abandonar los estudios para dedicarse a la música, el director de la escuela les dijo: “habrá un día verde en el infierno antes de que ustedes hagan algo de sus vidas”. Otra versión dice que hace alusión a la Marihuana.

24.- Guns N’ Roses: Originado del nombre de dos bandas: L.A. GUNS donde tocaba el guitarrista Tracii Guns (quien formaría en un inicio parte de la banda, luego vendría Slash a sustituirlo) y HOLLYWOOD ROSES liderado por Axl Rose, ambas bandas frecuentaban los mismos clubs donde tocaban y eran buenos amigos

25.- Iron Maiden: En honor a “La dama de hierro” constituía un instrumento de tortura medieval, se constituía por un sarcófago con forma de mujer y recubierto en su interior por púas.

26.- Jethro Tull: Eran tan malos al principio (eso decían ellos) que cambiaban de nombre todas las semanas, Cuando les llamaron para tocar en el club Marquee de Londres, se acabaron quedando con el nombre que tenían esa semana, ya era tarde para cambiarlo: Jethro Tull, nombre propuesto por el agente del grupo, que había estudiado historia. Parece ser que el tal Tull fue un pionero de la agricultura del siglo XVIII que había inventado la sembradora automática.

27.- Judas Priests: De la canción de Bob Dylan: “The ballad of Frankie Lee and Judas Priest”.

28.- King Crimson: Peter Sinfield, lo creo como un sinónimo de Beelzebub, el cual derriba de la frase árabe “B’il Sabab”, que significa “el hombre con un objetivo” (Otra etimología mas común de “Beelzebub” viene del Hebreo para “Señor de las moscas” En “Paraíso perdido” de John Milton, Beelzebub era el teniente de los ángeles caídos de Satán. Visto a menudo como una figura roja: Carmesí (Crimson), el es el Rey (King) del inframundo.

29.- Kiss: De acuerdo con Paul Stanley, el nombre de Kiss (Beso) era porque sonaba peligroso (Beso de la Muerte) y sexy a la vez. Kiss niega el rumor de que viene de “Kids In Service of Satan” (Chicos al servicio de Satan) o el que tambien dice “Keep It Simple Stupid” (Mantenlo simple, estúpido)

30.- KoRn: Al igual que la bersuit, fue un nombre que se le ocurrió al cantante y no tiene ningún significado en especial. En resumen es lo más incongruente que se le pudo ocurrir a Jonathan Davis.

31.- Led Zeppelin: Jimmy Page estaba tomando unos tragos con Keith Moon y John Entwistle, y bromeando sobre la posibilidad de formar un grupo, Entwistle dijo “Si, terminaríamos como un zepelin de plomo”. La cuestión es que la banda se formó y adoptó ese nombre.

32.- Megadeth: Dave Mustaine se inspiró en un panfleto del gobierno que vio luego de dejar METALLICA. Un Megadeath (Megamuerte) es un término militar para un millón de muertos (La segunda Guerra Mundial ocasionó 80 Megadeath)

33.- Metallica: Lars Ulrich estaba ayudando a un amigo a pensar el nombre para una revista de metal. Las opciones fueron Metal Mania u Metallica. Metal Mania fue escogida para la revista y el uso Metallica para su banda.

34.- Mötley Crüe: Un amigo dijo “What a Motley looking Crew” que se traduciría mas o menos como “Que tripulación mas Motley” refiriéndose con Motley a “gran variedad” describiendo a la aparición de un tribunas jocoso. El re-deletreo fue su propia invención y usó las diéresis en la U y la O mientras estaba de fiesta y bebía cerveza Lowenbrau.

35.- Motörhead: Jerga Británica para referirse a un drogadicto que le encanta la velocidad.

36.- Naglfar: En la mitología nórdica, Naglfar era una nave hecha enteramente de las uñas de los muertos. Durante el Ragnarök, Naglfar será liberado de la tierra por una inundación y navegará hacia Vagrid, el campo de batalla, con Hymir junto a su ejército de Jotuns. El barco llevará a las hordas del mal contra los dioses en la última guerra en el fin del tiempo, antes que un nuevo mundo emerge del mar.

37.- Peste Noire: En español quiere decir la peste negra que se propago en toda Europa en la decada de los 40.

38.- Pink Floyd: Syd Barret bautizó a la banda inspirándose en uno de sus discos favoritos, grabado por dos bluseros : Pink Anderson y Floyd Council

39.- Queen: se llama así por la sencilla razón que Freddie Mercury se puso pesado porque ese nombre le gustaba… ninguna razón especial aparte de provocar. El mismo unos años después comentaba sobre el nombre:”Hace años Pensaba en el nombre de Queen… Es solo un nombre pero muy regio, y suena fantástico. Es un nombre fuerte, muy universal e inmediato. tiene un potencial visual y esta abierto a todo tipo de interpretaciones. Estaba consciente de cierta connotación gay, pero era solo una faceta de la misma”

40.- Audiosalve: el primer nombre del grupo fue “Civilian” pero tuvieron que cambiarlo al darse cuenta que ya existía un grupo llamado de esa manera. Entonces a Chris Cornell se le ocurrió el nombre de “Audioslave”, el único problema era que también estaba usado. De todas maneras el grupo decidió comprar los derechos del nombre.

41.- Radiohead: Era una canción de ‘Talking Heads’ titulada ‘Radio Head’.

42.- Sepultura: saco el nombre de una pieza de Motörhead… dancing on your grave….grave en portugues se dice sepultura.

43.- Slayer: se llamaba DRAGONSLAYER (cazador de Dragones) para darle un toque medieval, pero les parecia muy malo entonces lo acortaron a Slayer.

44.- Soundgarden: La banda adoptó el nombre cuando se formó en 1984, a partir de una escultura llamada Sound Garden, que se encuentra en la ciudad de Sand Point, en el noroeste del Pacífico. A Chris Cornell (cantante) y a Kim Thayil (guitarrista) les encantó y simplemente pillaron el nombre.

45.- The Clash: Tomado por el titular de periódico ‘Un conflicto (clash) con la policía’.

46.- The Doors: el nombre se origina de la literatura. Hay un poema de William Blake que dice : “si las puertas de la percepción se limpiaran, todo aparecería ante el hombre como es: infinito”.

47.- The Eagles: (Los Águilas): La banda tenía grandes influencias de ‘The Byrds’ (Los Pájaros) y todos querían un nombre representativo ‘americano’.

48.- The Ramones: es el nombre que utilizaba Paul McCartney para registrarse en algunos hoteles : Paul Ramon

49.- The Rolling Stones: 4 décadas pasaron para que los Little Boy Blue and The Blue Boys decidieran rebautizarse, el nombre se origina de la canción “rolling stones blues”, de Muddy Waters.

50.- The Who: Empezaron llamándose The High Numbers. Pero acabaron decidiéndose por The Who porque se imprimiría enorme en los carteles y crearía una confusión del quince. La primera propuesta de Townsend, guitarrista de la banda, The Hair And The Who, fue tumbada porque sonaba a nombre de pub.

51.- Therion: Le pusieron asi por el disco TO MEGA THERION de Celtic Frost.

52.- U2: Es una clase de avión espía utilizado por los Estados Unidos.

53.- Yes: La banda escogió el nombre Yes porque era muy corto, muy directo y muy fácil de recordar.

54.- Helloween: Es la unión de los nombres “hell” (infierno) y “halloween” (fiesta del día de las brujas).

55.- Marduk: Su nombre proviene del dios babilónico Marduk, deidad patrona de Babilonia.

56.- Emperor: Nombre de lo que se refiere a la palabra “Emperador”.

57.- Burzum: El nombre burzum significa ‘oscuridad’ en lengua negra, en el idioma de Mordor inventado por J. R. R. Tolkien, y figura en la inscripción del Anillo Único. Fue usada en los libros del “Señor de los Anillos” por los orcos y espectros oscuros siervos de Sauron.

58.- Fimbulwinter: La banda lleva el nombre de Fimbulvetr, relativo al preludio inmediato del Ragnarök, el fin del mundo de la mitología nórdica.

59.- ABIGOR: El nombre de la afamada y mítica banda austriaca proviene de uno de los Grandes Duques del Infierno, según el Ars Goetia. Sería un señor militar y encabezaría 60 legiones de demonios. Parece que tenía la capacidad de alterar el futuro y era invocado por lo general por señores y caballeros. Se le representa con una lanza y sobre un caballo con alas de murciélago.

60.- ARKONA: En este caso hace referencia a dos bandas, una conocida de origen ruso, y la otra más desconocida de origen polaco. Arkona fue una fortaleza situada en la isla de Rügen, al norte de Alemania. Fue el último emplazamiento de los eslavos en Alemania, logrando aguantar hasta 1168, cuando una invasión danesa cristiana arrasó la isla. Arkona tenía importancia para los eslavos por ser uno de los últimos lugares de culto a las deidades paganas de Svantevith.

61.- Absu: Nadie desconoce quien es esta banda de culto norteamericana, que ha tocado casi todos los palos del metal extremo. Pero que fue Absu es algo que parece ser más desconocido. Absu es el nombre que se le dá a una extraña entidad que aparece en la cosmogenesis de la mitología sumeria. Según el Enuma Elish, Absu fue una deidad que simbolizaría una especie de gran oceano sobre el que se asentaría toda la tierra emergida. Este Absu se revolvería contra la intención del dios Marduk de coronarse rey de los dioses y sería responsable indirecto del Diluvio narrado en el mismo relato.

62.- AMON AMARTH: Todos conocen hoy en día a una de las bandas punteras del death metal mundial. Pero su nombre tiene un origen algo más curioso. Amon Amarth es el nombre en lengua élfica que recibe el Monte del Destino en “El Señor de los Anillos”, el monte donde Frodo ha de arrojar el Anillo Unico a la lava.

63.- Ulver: en la lengua nórdica ésta palabra hace referencia a los “lobos del norte”.

64.- Bathory: Inmortal banda sueca, que quizás ha alcanzado más fama que los poseedores originales de este nombre. Los Bathory fueron una famila noble hungara que alcanzó grandes poderes en la Baja Edad Media, en especial en la zona de Hungria y Transilvania. Entre sus miembros han figurado dos voivodas de Transilvania, tres principes de Transilvania, un rey de Polonia y algunos gobernadores. Aunque sin duda su miembro más famoso es Elisabeth Bathory, una mujer de singular crueldad y que al parecer ser fomentó y consintió la comisión de torturas y crimenes en su castillo de Cachtice (Eslovaquia). Se cree que unas 50 muchachas fueron asesinadas en este castillo, aunque las leyendas negras las eleven a más de 600.

65.- Behemoth: ¿Quien no conoce a esta gran banda polaca? Pues bien, el Behemoth también es de gran tamaño, en este caso es un monstruo procedente de la mitología biblica con cierta inclinación a la destrucción y al caos, al parecer ser tendría forma de hipopótamo. Llegó a ser identificado con un demonio en la Edad Media. Junto al Behemoth siempre iba el Leviatan, en forma de cocodrilo, lo que recuerda a una conocida figura de la mitología egipcia (un cocodrilo sobre la espalda de un hipopótamo).

66.- Belphegor: Esta gran banda austriaca toma su nombre de un demonio cuyos origenes se remontan a la mitología asiria. Conocido como Baal-peor, los hebreos le llegaron a adorar en forma de pene. En la Edad Media, en tenido en Europa como un demonio que ayudaba a la gente a hacer descubrimientos encaminados a cubrirles de riquezas, por lo que sus pecados serían la ambición y la codicia.

67.- Carach Angren: Banda holandesa de black metal que cada vez tiene más oyentes… Pero Carach Angren es realmente un topónimo aparecido en “El Señor de los Anillos”, en concreto un paso de montaña fortificado en el interior de Mordor, que protege el acceso entre el valle de Udûn y la meseta de Gorgoroth.

68.- Carpathian Forest: Esta conocida banda noruega toma su nombre de la conocida cordillera europea de los Cárpatos. Esta cordillera montañosa se extiende desde Hungria hacia el interior de Rumania, y ocupa gran parte de Transilvania. Es también donde tenía su castillo el conocido Vlad Dracul, el noble que inspiró la leyenda de Drácula.

69.- CIRITH GORGOR: Otra banda holandesa que acude a Tolkien para inspirarse. El Cirith Gorgor es en este caso el nombre del paso hacia Mordor, donde estaban asentadas las Puertas Negras y en donde se libró la última batalla contra Sauron. Aparece en “El Señor de los Anillos”.

70.- Cannibal Corpse: Es el nombre adoptado debido a las líricas de la banda de Florida y significa literalmente “Cadaver Caníbal”

71.- Taake: el vocalista Hoest quería que el nombre reflejara el espíritu noruego de su música y líricas.
El nombre de la banda también es un tributo a la niebla que rodea las siete montañas de Bergen, que es con la que comúnmente se asocia el significado.

Top de los mejores discos de METAL 2016

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Les dejamos una selección de discos por demás interesantes de éste año 2016 en donde el Heavy Metal tuvo en sus diversas ramificaciones discos absolutamente geniales. Les dejamos el orden descendente de los que en mi opinión personal se merecen un lugar en la historia por sus aportaciones.

21.- Spiritual Beggars “Sunrise To Sundown”

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20.- Black Sabbath “The End” EP

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19.- Flayst “Burning Eden”

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18.- Exumer “The Raging Tides”

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17.- Imperium Dekadenz “Dis Manibvs”

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16.- Asphyx “Incoming Death”

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15.- In Flames “Battles”

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14.- Dark Tranquillity “Atoma”

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13.- Rotting Christ “Rituals”

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12.- Epica “The Holographic Principle”

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11.- Megadeth “Dystopia”

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10.- Abbath “Abbath”

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9.- Metallica “Hardwire To Self Destruct”

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8.- Darkthrone “Arctic Thunder”

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7.- Vader “The Empire”

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6.- Tygers Of Pan Tang “Tygers Of Pan Tang”

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5.- Alcest “Kodama”

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4.- Sodom “Decision Day”

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3.- Fleshgod Apocalypse “King”

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2.- Testament “Brotherhood Of The Snake”

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1.- Obscura “Akroasis”

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QUE HAYA MÁS HEAVY METAL EN EL FUTURO 2017. LOS TRABAJOS ENTREGADOS EN ÉSTE AÑO HAN DEJADO UN ESTÁNDAR MUY ALTO DE SUPERAR Y ESPERAMOS QUE ASÍ SEA.

Fleshgod Apocalypse “King” Nuclear Blast (2016)

La banda italiana Fleshgod Apocalypse es una de las agrupaciones que ha mantenido una base fiel de seguidores a lo largo de su carrera. Los originarios de Perugia, hicieron su aparición en el 2007 con su disco “Promo”, con el cual tuvieron una buena aceptación que los llevó a firmar un contrato discográfico con el SELLO Candlelight Records. Este año lanzan su cuarta producción titulada “King” bajo el poderoso sello Nuclear Blast. Un disco bastante esperado por los fanáticos del género y sobre todo al escuchar los adelantos de los principales temas del disco.
Los italianos se propusieron hacer de éste trabajo una grabación muy ambiciosa, de esas obras que toda banda quisiera tener dentro de su discografía. Por ello en esta ocasión al sonido del Technical Death Metal le incorporaron secciones de música orquestal y sinfónica a cargo Francesco Ferrini, además de conjugar voces guturales y limpias. No es un disco al estilo de las bandas Therion y Haggard donde se incorporan voces operísticas tanto masculinas o femeninas. Aquí la banda tiene el sello de su sonido en la voz de Tomasso Ricardi en las voces guturales, seguido con voces limpias por Paolo Rossi, Francesco Paoli y Cristiano Trionfera, quienes además se ocupan del resto de los instrumentos de manera excelsa; el nivel de los italianos a éstas alturas es sorprendente.

El track list es:

1. Marche Royale (instrumental)
2. In Aeternum
3. Healing Through War
4. The Fool
5. Cold as Perfection
6. Mitra
7. Paramour (Die Leidenschaft Bringt Leiden)
8. And the Vulture Beholds
9. Gravity
10. A Million Deaths
11. Syphilis
12. King (instrumental)

La combinación aunque parezca pretenciosa desde el primer momento suena muy bien ejecutada. No desentonan los brutales riffs a los que la banda nos tiene acostumbrados, combinados con los sonidos sinfónicos en el momento exacto. Hay partes donde los protagonistas son las guitarras únicamente o bien el sonido del piano y las orquestaciones. Los cambios de ritmo son parte esencial de la producción ya que desde mi punto de vista, fueron bien pensados a la hora de mezclar la grabación. Así la banda nos logra mantener cautivos de principio a fin con las 12 canciones que componen el disco. Todas y cada una de ellas están repletas de detalles que demuestran la alta calidad compositiva de la banda. Destacaría todas las canciones pero me quedo con: “Cold As Perfection”, “The Fool” y “Gravity”. No cabe duda que se inspiraron en ofrecer algo novedoso a sus fans pero sin perder la esencia de sus raíces musicales. Para finalizar ésta de sobra resaltar que es uno de los mejores discos del 2016 en cuanto a “metal” se refiere, ya me imagino las ansías de verlos en los grandes festivales de Europa y Latinoamérica.

Algunos links de los vídeos oficiales del disco de Fleshgod Apocalypse.